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Masterclasse de Mr Mariotti professeur au crr du 19ème à paris

Masterclasse faite par Mr Philippe Mariotti le 22 Mars 2011

Introduction :

J'avais hâte d'avoir Masterclass avec Mr Mariotti car c'est grâce à lui que j'ai acquis ma guitare et en m'aidant à la choisir il m'a montré qu'il avait de nombreuses connaissances sur la lutherie etc...
Le séminaire :

1) La guitare

La guitare classique de concert est à la base de toutes les autres guitares (folk, électrique) au 19 ème siècle elles sont plus petites on les appelle maintenant « guitares romantiques » Torres (et en Allemagne, Martin et Hauser) crée les 1eres vraies guitares classiques presque telles qu'on les connait à l'heure actuelle (diapason réduit, manche plus étroit, papier mâché sur les éclisses).
Sous la table de la guitare , on trouve de fins morceaux de bois (épicea) qui vont permettre de diffuser les vibrations harmoniques (Torres dispose ces lamelles en éventail)
en effet la guitare fonctionne par vibration d'air !
L'épaisseur de la table peut varier (ex : Fleta : table très fine et Ramirez table très épaisse)La table de la guitare bouge donc tout le temps ce qui fait la fragilité de l'instrument !
En 1990 création du Latisse Braseling : treilli de bois concu pour alléger et renforcer la table (bois : balsa+ carbone) les instruments deviennent de plus en plus sonores (Smallman en Australie...).Smallman utilise une table de 0.9 mm composée de carbone dont une faible partie seulement résonne le tout est bombé à chaud : cela donne un son très percussif et des basses lourdes d'autres luthiers ont gardé le même principe mais avec une table un peu plus épaisse (Matthias Damman a collé par exemple du Nomex entre 2 tables)
Le Nomex est beaucoup utilisé actuellement car c'est un matériau alvéolé et très résistant ça resiste mieux à la traction des cordes (Redgate, Hill,...)
Les bois les plus utilisés sont pour le dos :
- le pallissandre indien (très stable, lignes étroites
-Pallisandre de Rio
-Cocobolo d'afrique
Côtés : érable
Manche : cèdre ou acajou
Touche :ébène, pallisandre ou Pauferro
Table : cèdre rougen cèddre du Liban cèdre canadien, Epicea d'Europe...
Le sillet est en composite ou en ivoire
Le chevalet est en pallissandre de Rio, indien ou en ébène.
Il y a différentes façons de vernir une guitare : au tampon (résine+ alcool) – il faut +- 200 couches
Laques cellulosiques : + résistant (ex : Ramirez)
Plastiques : nitrocelluloses ou polyesther
La table de la guitare est en cône <>
Comment choisir son instrument ?
- Vérifier la droiture du manche
- La parabolique de la table
- Les mécaniques
Pour bien entretenir une guitare il faut changer les cordes toutes les 4 semaines...

2) Attaque et sonorité :

Pour avoir un beau son il faut accorder beaucoup d'importance aux :
- ongles
-cordes
- posture
- attaque à gauche ou à droite
- spectre
- lutherie
En effet en guitare comme dans les autres instruments, le son est très important
Il faut polir les ongles pour de pas qu'ils accrochent à la corde pour cela il faut les polir d'une façon arrondie sur les bords et +- droite au centre ça peut varier en fonction qu'on attaque à droite ou à gauche .
Pour les épaissir on peut utiliser Herôme ou de la poudre acrylique,ou de la cyanolite.
Le « pincé » doit être aussi intense que le buté
L'amplitude doit être souple ni trop petite ni trop grande.

3) Passage des élèves :
-Simon Debisschop : Frandanguillo Turina : Simon a déjà une très belle sonorité bien ronde mais sa tenue laisse à désirer : en effet il se penche trop sur son manche.Mr Mariotti à axé sa main de telle façon que sa rosace soit dégagée et que son son soit projetté plus fort.
-Florence Leroy (moi ) : Mes ongles ne sont pas assez solides : ils ont cassé : mr Mariotti m'a conseillé de mettre de la poudre acrylique. Il me les a également mieux taillé.Il a un peu reculé ma main droite pour avoir plus de projection de la rosace.
-Antonio Garcia : Sonate : Antonio ne maîtrisait pas assez bien son morceau : il a été coupé.
Ses ongles ne prenaient pas assez bien la corde : il doit les laisser pousser plus longs.Il se tient également un peu penché.
-Lucie Matthieu : son bras droit est beaucoup trop en avant sur sa guitare mr Mariotti a essayé de le redresser pour avoir une position plus équilibrée. Il lui a aussi dit que son son n'est pas assez puissant et lui a donné des conseils pour améliorer ce point.
-Romain Larue : Ses ongles étaient tout à fait mal taillés trop courts...Mr Mariotti l'a aidé à remttre ça en place.
-Matthieu Van den Biggelaar : tenue beaucoup trop penché sur son manche car il est grand et son un peu aigre.Mr Mariotti lui a limé les ongles.
-Johnatan Patte : Il doit changer de guitare car elle ne répond pas à un instrument de conservatoire.
Il y a également un espagnol qui est venu présenter sa guitare de collection.

Mon avis personnel :
J'ai trouvé l'exposé sur la lutherie et les modes d'attaques très très intéressant... c'était structuré. J'ai appris beaucoup de choses par exemple que le taux d'humidité minimm pour que la table de la guitare ne se fende pas est de 50° et qu'il existe des humidificateurs pour guitare.(Oasis)
Pour ce qui est de la masterclasse en elle-même je suis un peu déçue car je pensais qu'on aurait plus de temps pour présenter et décortiquer une pièce en entier... Je n'ai même pas joué 10 minutes... ça aurait été intéressant d'approfondir le travail sur l'attaque et la beauté du son dans chaque trait.
J'ai beaucoup aimé l'explication sur le limage des ongles... On peut reproduire la même chose chez soi... j'ai par exemple appris que pour mieux fixer la poudre acrylique on pouvait untiliser un compte goutte.

Anecdote
En essayant de me faire jouer plus fort avec des ongles fragiles on finit par se casser un ongle en plaine masterclasse !!!

Masterclasse de Mr Mariotti professeur au crr du 19ème à paris

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#Posté le samedi 30 avril 2011 03:49

Russian National Orchestra dirigé par Mikhail Pletnev en soliste : Guidon Kremer

1) Danses slaves op 46 de Dvorãk :

À l'instar de Daniel Barenboim ou de Vladimir Ashkenazy, Mikhail Pletnev mène une double carrière de pianiste et de chef d'orchestre. En 1990, il s'est lancé dans une entreprise de grande ampleur : la création d'un orchestre indépendant en Russie. C'est ainsi qu'est né l'Orchestre National de Russie, réunissant les meilleurs musiciens du pays. Les Danses slaves d'Antonin Dvořák figurent parmi ses œuvres les plus appréciées. Il s'agit de deux séries contenant chacune huit pièces n'ayant aucune parenté tonale ou thématique entre elles. L'une et l'autre ont été écrites en premier lieu pour piano à quatre mains, avant d'être orchestrées par le musicien lui-même.L'écriture de ces danses a été inspirée au compositeur par les Danses hongroises de Johannes Brahms...Le musicien tchèque s'est, à de nombreuses reprises, inspiré des musiques folkloriques de son pays ou d'autres régions. Il avait en particulier écrit des Danses écossaises en 1877. Ses Danses slaves ne sont cependant pas de simples transcriptions, comme l'avait pu faire Brahms pour certaines des premières Danses hongroises. De plus, contrairement à ce dernier, Dvořák s'est chargé intégralement de leur orchestration.On a peu entendre ce soir là la danse n°2, 4 et 8 !
Seul concerto pour violon écrit par Tchaïkovski (1878), cette oeuvre, devenue l'une des pages les plus célèbres pour le violon, fut à sa création pourtant décriée. Gidon Kremer, à l'aise dans le répertoire russe, en proposera une interprétation tout à fait virtuose. En plus de la solidité de sa structure, le concerto fourmille de mélodies magnifiques qui varient la sonorité de l'orchestre! Par la suite, le soliste se distingue de l'orchestre, commence par le thème principal "très modérée". Le second mouvement est un « molto espressivo », après quoi le retour du thème principal ensuite le développement se termine dans une cadence solo virtuose, suivie par la reprise de la coda.Ici il est interprété par Guidon Kremer , d'origine russe- allemand ,disciple de David Oïstrakh, représentant de la branche d'Odessa de l'école russe de violon. Sa sonorité fine et racée, l'élégance de son phrasé et sa confondante maîtrise se rient des frontières esthétiques. En prenant le risque de surprendre, de désorienter, voire de choquer, ce musicien sensible et profond se révèle l'un des plus passionnants artistes de son époque.
Symphonie n°5 de Chotakovitch :
Un demi-siècle après Tchaikovsky, en pleine période des purges staliniennes, Chostakovich compose sa 5ème symphonie, toute imprégnée d'une tension émotionnelle perçue avec une acuité exceptionnelle, dès sa création. L'effervescence inquiète du compositeur s'exprime de façon culminante dans le Largo tandis que le final laisse place à une tonalité radieuse et victorieuse qui se devait de confirmer "le rachat" du compositeur ou au contraire l'idée diamétralement inverse exprimée par un effet d'antiphrase musicale.

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#Posté le samedi 30 avril 2011 03:41

Seminaire Berio MIM

Conférence sur Berio le 8 mars 2011 au MIM

1) Analyse perceptive Sequenza VI pour alto par Irène Deliège.

Irène Deliège a décidé d'utiliser un angle différent pour aborder la Sequenza VI de Berio :
Elle utilise le ressenti psychologique des gens issus de différents milieux sociaux.
- D'abord elle prend en compte les unités locales à savoir la vision et l'audition, cette dernière est divisée en audition du texte et audition de la musique. Ensuite elle organise ces entités locales selon les règles de la psychologie comportementale (Gestald)
La sequenza est segmentée par des étudiants de l'université et par des étudiants du conservatoire d'une façon différente.En effet, il est difficile de stocker tout les détails de la musique dans sa mémoire et les étudiants de l'université sont un peu perdu face à cette musique qui sort de leur ordinaire. D'ou l'importance des répétitions qui permettent de reconnaitre les sequenza. Ces répétitions forment l'empreinte de la pièce.Voici quelques exemples d'empreintes :
- Début : tremolo 15 secondes
- Accords jetés en vibrato
- Système d'accords arrachés
- ...
Après l'audition les non musiciens , moins sensible à ce phenomène d'empreintes ont repéré les différentes sections.

2) Analyse de la sequenza II pour harpe et III pour voix par Pascal Decroupet

Selon Pascal Decroupet ces deux sequenza sont faites à un moment où la situation historique est spéciale.En effet vers les années 50 60' on découvre la musique électroacoustique ... on recherche la nature acoustique des matériaux et la perception des sons.C'est pour cela que Berio dans sa sequenza pour chant disseque littéralement chaque élement. Quant à la harpe il utilise des modes de jeu supplémentaires (ex : sonorité percussive)
Il utilise une technique de jeu en tremolando pour soutenir le son de la harpe sinon il disparait.il utilise également des percussions.
La partition pour harpe a été écrite en sol b mineur et sonne un peu comme une piece pour piano préparé.
La sequenza pour chant a une notation assez laconique.Il y a un sens derrière chaque chose (ex : les éclats de rire ne sont pas mis au hasard)

3) Mon avis personnel

Si vous n'avez rien compris à l'analyse d'Irène Deliège... rassurez vous moi non plus pas plus que les autres élèves de la classe. En fait je pense qu'il ne s'agissait pas d'une analyse musicale mais plutôt d'une réflexion psychologique sur les perceptions des musiciens et des non musiciens sur une pièce contemporaine. Ce n'est pas ce qui était prévu au programme... Moi j'éspérais avoir une analyse détaillée mesure par mesure de cette pièce avec les tons principaux les formes utilisées etc...il n'en était rien on a juste parlé de psychologie et de philosophie.
Dans ce cas on n'appelle pas cela un séminaire d'analyse !Bref, c'était la pire présentation à laquelle j'ai assisté.
Pascal Decroupet, lui était plus dans le domaine de l'analyse purement musicale, de plus il a bien pris le temps de nous expliquer le contexte historique et la vie de Berio pour qu'on puisse mieux comprendre son œuvre, il nous a également parlé des premiers interprètes et de la façon dont ils ont influencé Berio (ex : harpe : Francis Pierre)
Grâce aux diaporama projeté sur un écran on a pu suivre mesure après mesure l'analyse de la pièce.
Bref c'était beaucoup mieux organisé ça ressemblait plus au cours de Mr Cayron.
Pour le « fun » j'ai essayé d'analyser moi-même (avec l'aide d'informations lues dans des livres et sur internet) la sequenza VI pour alto ébauchée par Irène Deliège:
Après les envolées lyriques ultra-gestuelle de Sequenza III pour voix et Sequenza V pour trombone (tous deux de 1966), Luciano Berio retourne à un style plus abstrait dans la sequenza VI.Comme pour la sequenza II pour harpe, Sequenza VI adopte des caractéristiques qui redéfinissent la nature de l'alto. Dans Sequenza VI, Berio utilise l'alto presque dans un style « flamenco » ( trémolos...)Selon Berio , une œuvre est une étude dans la répétition et la transformation d'un matériau de base.Dans cette pièce multi-facettes, il fait également un clin d'œil aux caprices de Paganini. Ces effets sonores sont présents dans toute la pièce , interrompus seulement par de courts interludes mélodiques qui semblent comme des souvenirs de rôle plus traditionnel de l'alto.

Berio continua de composer des Chemins II (1967) et Chemins III (1968-1973), deux œuvres pour alto en continuant de s'inspirer de la sequenza.Ces espèces de « commentaires musicaux » sont une critique de son travail mis en rapport avec les œuvres des autres compositeurs contemporains. Sequenza VI a été achevé en 1967 pour Serge Collot et a été créée cette année là par Walter Trampler à New York. Une transcription pour violoncelle a été faite par Rohan de Saram et créée par de Saram à Londres en 1981.

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#Posté le samedi 30 avril 2011 03:38

Sevilla

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#Posté le vendredi 17 septembre 2010 07:48

Masterclass avec Mr Gruneissen professeur au cnr de Lille

LE MATIN: Il est 9h : J'arrive au conservatoire...direction "la fermette" pour aller à la masterclasse mais je vois que Lindsay attend dans le hall: je l'interroge : y'a encore personne...
- pourtant la masterclasse doit commencer à 9h00 non?
- Non j'ai reçu un message comme quoi ça commence à 9h30

Merde j'aurais pu encore répéter un peu plus chez moi le matin :( Eloïse et Angelos arrivent peu après.Il est 9h25 toujours pas de prof... :'( à 9h30 pile mr Navez arrive mais il y a une violoniste dans la fermette :S
donc on doit la "chasser" lol pas de chance pour elle ^^

Je décide (suite à l'insistance des autres hem.. ^^ de passer première avec la FANTAISIE de HUWET (voir article précédent) comme Mr Gruneissen arrive un peu en retard j'ai le temps de montrer ma nouvelle guitare aux autres ^^
Voilà le maestro est là la masterclasse peut commencer:

Il commence d'abord par nous préciser qu'il préfère entendre les élèves jouer de loin ...zut on a mis deux chaises pour rien :-(

Première éleve : Florence: Fantaisie de Huwet:
Je commence par jouer toute ma fantaisie je la joe assez bien quoi que j'ai fait un accro dans mes doubles croches et à la fin (un peu comme dans la vidéo de l'article précédent lol)
La première critique de Mr Gruneissen concerne mon CAPODASTRE : selon lui ce serait mieux si je le placais en 2ème case.
Ensuite il me conseille de faire mes ornements plus vites et peut-être ajouter des liés coulés pour plus de facilité. Il me dit également que toute la pièce doit être plus dynamique et que je dois me lâcher plus dans mes traits en doubles croches.

Deuxième élève: Gérard: Brouwer Danse Caractéristique:
Gérard a fait beaucoup de progrès depuis le début de l'année cependant sa pièce n'était pas encore prête à 200%
Comme première remarque Mr Gruneissen lui fait remarquer que l'on entend pas assez ses notes liées et coulées : après tout ce sont des notes aussi importantes que les autres !
Ensuite il lui dit de vibrer les sforzandi et de bien attaquer: c'est un danse qui a un caractère assez abrupt.
Il lui fait également remarquer que les silences doivent être étouffés par la main droite ^^ (et pas la gauche lol)
Ill doit soigner ses harmoniques ainsi que la rythmique.

Troisième élève: Kosuke : Nocturnal de Britten
Kosuke avait prévu de jouer "solliloque" mais il l'avait déjà joué à Mr Gruneissen il y a 2 ans (or comme ce dernier a une bonne mémoire ^^) il reprend donc le Nocturnal de Britten qu'il avait joué à son examen: c'est une pièce ENORME...
Dans le premier mouvement Monsieur lui dit de faire plus de contrastes de nuances (pp>ppp) et de ne pas vibrer de façon trop ondulante.
Le deuxième mouvement doit être plus contrasté car il est écrit en Forte
Le troisième mouvement doit être aussi piano que le premier mais les phrases forte doivent être mises en évidence.
Dans le quatrième mouvement il ne faut pas vibrer les notes piquées et dans le "niente il ne faut presque rien entendre.Suite au prochain épisode :-)

L'APRES-MIDI

Quatrième élève Pedro: La Gran Jota de Tarrega:
intro: Les grands accords du début ne doivent pas être raclés mais le mouvement du bras doit être en demis cercle.
Mr Gruneissen conseille à pedro d'étouffer ses silences également et d'insister sur ses appogiatures.
après le passage ou il n'y a que la main gauche qui travaille il lui conseille de continuer dans cette techniques pendant quelques mesures.
Jota: Les accords ne doivent pas être des bruits et les petites notes (appogiatures barrées) doivent être audibles. La fin doit être très brillante et virtuose.

Kosuke suite Nocturnal:
Monsieur lui dit d'atténuer les bruits et d'utiliser les doigts sur le coussinet.
Quand on ne glisse pas il faut soulever les doigts ^^
Les harmoniques même si elles sont pianissimo doivent être plus dynamiques.

Lindsay: étude 1 de Regondi:
J'admire Lindsay d'avoir su jouer une étude assez difficile en sortant d'une tendinite elle s'est très bien débrouillé d'ailleur monsieur gruneissen lui dit qu'elle a beaucoup progressé.
Au début il faut que la pulsation soit mieux sentie.
Monsieur Gruneissen lui conseille de travailler lentement et forte pour bien apprendre le texte puis d'aller de plus en plus vite.
Dans cette étude on doit respirer après les déplacements et pas avant :( c'est difficile
De plus on ne doit pas entendre QUE la mélodie mais l'accompagnement doit être présent également.
Mr lui dit de mettre du vibrato même dans les passages plus rapide car c'est de la musique romantique.
La technique propre de lindsay de répéter plusieurs fois le même doigt à la main droite n'a pas beaucoup plu à Mr Gruneissen.
A la fin de l'étude il faut plus de contrastes entre legato et staccato.

Caro: Sonatine de Berkeley:
- 1er Mouvement: ça doit avoir plus de punch Ca doit en imposer!:il faut penser le 6/8 en deux temps et bien marquer les nuances.
Un accord n'est pas un bruit ! De plus il faut aller plus profondément dans chaque intension (rall, accel, nuances..)
- 2ème mouvement: Ne pas crisper dans les glissandi ,sortir plus la mélodie et bien mettre en évidence les modulations
- 3ème mouvement: la composition est plus terne que dans les 2 premiers mais Caro l'interprète bien.

Julien: Suite Castellana de Moreno-Torroba:
- Frandanguillo: Julien le joue trop vite il doit y avoir de la fièrté dans ce morceau.
- Arada: C'est trop lent on ne sait pas faire de rallentendo tellemnt c'est lent et on perd la pulsation.
Ne pas pousser sur les cordes quand on les glisse sinon elles paraîssent sonner trop bas.un vibrato peut régler ce problème.
- Danza: Le rythme est en un temps on ne le sent pas bien

Angelos : Variations sur un thème de Sor de LLobet
- dans le thème: retarder l'appogiature et la faire moins fort à la premiere énonciation du thème :accords plaqués deuxième fois acords arpégés.
(...)
- 3ème variation :ne pas déplacer le temps fort on perd la pulsation à causde des appogiatures.
- 4ème variation : l'arpège doit être dense et forte: travail articulé lentement avec chiffon ^^
- 5ème variation: plus de légato et ne pas s'arrêter avant les harmoniques.
(...)
- avant dernière variation: harmoniques bien sur les frettes
(...)

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#Posté le vendredi 23 avril 2010 10:00

Modifié le vendredi 23 avril 2010 10:45

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